Alción Editora

Reseñas Radar libros: Artaud -Valéry - Pavese

2012-01-06T08:25:00.000-08:00

Sábado, 31 de diciembre de 2011

Tres libros de y sobre poetas

Por Juan Pablo Bertazza

¿Quién conoce a Antonin Artaud?
Varios
Alción
En 1928 Artaud se enamoró de Juana de Arco. Sucedió durante el rodaje de La pasión de Juana de Arco, en el que a pesar de tener un rol secundario encarnando al hermano Jean Massieu, cautivó absolutamente a todo el que la vio, con un mix notable de belleza y demencia. Entre cada uno de los testimonios compilados por Rodolfo Alonso sobre la figura inmensa y desconcertante de Antonin Artaud que componen este libro, el único hilo conductor parece ser la imposibilidad de radiografiar la importancia de quien, a pesar de romper con el surrealismo (sobre todo por su servilismo al adherirse al Partido Comunista), fue el único en llevar hasta las últimas consecuencias cada uno de sus postulados teóricos, una víctima de recurrentes brotes psicóticos que tenía una lucidez omnisciente y dañina, que anhelaba una geometría sin espacio, que buscaba representar lo irrepresentable (tal como indicaba en uno de los manifiestos de su Teatro de la crueldad) y se vanagloriaba de haber dado con una escritura para analfabetos. Tal vez por eso, además de los testimonios de Maurice Blanchot, Eugène Ionesco, René Char, André Breton y Tristan Tzara, entre otros –testimonios que van desde escuetas expresiones de dolor por su muerte hasta completos análisis sobre su visión del mundo–, este libro incluye algunos documentos inéditos del mismo Artaud y un valioso poema de Rodolfo Alonso titulado, sugerentemente, “El juicio final”.

Introducción a la Poética
Paul Valéry
Alción
Singular. Así fue la conferencia dictada por Valéry en París el 10 de diciembre de 1937, al hacerse cargo de la Cátedra de Poética en el tradicional Collège de Francia. El mejor alumno de Mallarmé se propuso entonces liberar la poética de su acepción más difundida, antigua y corriente: un conjunto de reglas formales y fijas para poner en práctica algún tipo de arte. En cambio, propone un estudio a partir de la Historia de la Literatura capaz de dar con las características fundamentales de aquellas obras que terminaron incorporándose al canon literario. En ese sentido, resulta muy curioso, y es una de las observaciones que realiza en su prólogo Rodolfo Alonso, el hecho de que este ineludible exponente de la poesía pura incorpore a su discurso conceptos provenientes del ámbito de la economía, como los de “producción” o “valor”. Otra de las apuestas de Valéry en este texto es despojar de la lectura y posterior análisis cualquier rasgo anecdótico acerca del autor de las obras, esgrimiendo como principal argumento que la Odisea es un libro canónico aunque poco sabemos de Homero, o que las obras de Shakespeare trascienden la nebulosa información con la que contamos acerca del eximio dramaturgo. Introducción a la Poética es de aquellos que, aun no estando para nada de acuerdo con sus hipótesis, resultan sumamente admirables.

Trabajar cansa. Vendrá la muerte y tendrá tus ojos
Cesare Pavese
Alción
Trabajar cansa tuvo su publicación original en 1936 y una reedición en 1943 con el agregado de treinta y un poemas y la supresión de otros seis. Si bien está considerado uno de sus trabajos más herméticos y deudores de aquello que se conoce como “poesía narrativa”, resulta también una especie de compendio perfecto de las principales características que hicieron de la obra de Cesare Pavese una de las más rutilantes del siglo XX: la soledad como una forma de condena existencial e irreversible, la idealización de la mujer y la melancolía de su evocación, la imposibilidad de la comunicación (algo majestuosamente plasmado en sus diálogos) y, sobre todo, la construcción de la infancia como una edad mítica, fuente inagotable de inspiración, y a la que siempre acude el poeta. Por su parte, Vendrá la muerte y tendrá tus ojos, excelentemente traducida por Rodolfo Alonso, constituye la culminación en todo sentido de esa estética pavesiana y de aquellos rasgos mencionados: poesía lacerante que enaltece más que nunca a esa mujer que en este caso tiene rostro y cara, la de la actriz estadounidense Constance Dowling, cuya separación lo inspira a escribir este libro magnífico pero también a suicidarse el 26 de agosto de 1950.

Revista de Filosofía Nombres

2011-12-23T13:57:00.000-08:00

A los veinte años de la revista NOMBRES nos preguntamos por el qué de la filosofía

Comenzamos por el fin o finalizamos por el comienzo, una paradoja, después de 20 años de sacar “nombres” revista de filosofía nos preguntamos muy sueltos de cuerpo (atención al cuerpo, al poco de cuerpo que puede el cuerpo) ¿qué es, si es, la filosofía? algo que ya debíamos saber o al menos atisbar al comienzo, ¿o es una pregunta retórica? por supuesto que sí, pero aquí y seguramente en todas partes la retórica va más allá del formalismo, hay que indagar, hurgar, para tratar de ver algo, si de algo se trata, y aquello de lo que se trata está en el medio, en el entre del fincomienzo y del comienzofin, en el entre que se instala desplazando o suprimiendo el fin y el comienzo; podríamos señalar con un dedo vacilante ese entre y nada más, ¡bueno sería que quisiéramos definir la filosofía y luego proclamar ya sea su muerte o su sobrevivencia! Creo que siempre fue así, que siempre el pensamiento que podemos llamar filosófico estuvo naciendo-muriendo. Heidegger sostiene que la filosofía, claro que está refiriéndose a los “sistemas filosóficos”, a la filosofía como sistema que explican "todo" teóricamente, ya no tiene vigencia considerada desde lo que llamó factualidad, como ontología, y que sólo subsiste el pensar, el pensar-pensante, es decir, sin ser-dios-razón. Es evidente que ya no es posible, y esto no significa que no pueda volver a ser posible, un sistema-filosófico, algo así, imaginemos, como una religión conceptual con la que se enfrentó el último Schelling. ¿Será posible una filosofía abierta, sin ser, sin dios, sin sustancia, sin yo...? Por ahora estamos en la ausencia de esa filosofía, y en la espera... tal vez no de un dios último que nos “salve” sino en la pura y simple espera...de nada. El entre de la revista "nombres" es casi un performativo : una mostración creativa en su propio enunciado del esto-es afirmándose en lo que (es) en la pura mostración... y más: ¿qué más? filosofía, teología, poesía (un libro de Murena), pintura, música, pornografía, la correspondencia de Celan y Nelly Sachs, artículos sobre el exterminio, sobre política, sobre dios y más allá de dios, etc. etc. ¿El hecho de señalar eso quiere decir que eso es la filosofía? Sí y no. Sí porque a ese pensamiento en dispersión, descentrado e interminable, lo podemos llamar filosofía; no, porque ese pensamiento no puede clausurarse en un fin que dijera esto es filosofía. Nos inclinamos más bien a reconocer en este entre una búsqueda (no de algo, porque si buscáramos algo determinado ya estaríamos presos en la clausura del algo), una serie de discursos falibles, un deseo inabarcable y voraz de asimilar o conocer todo lo dado para responder a la pregunta tal vez trágica (porque no tiene respuesta y porque no puede ser enunciada como un preguntar por algo) que es-sin-ser esto que llamamos “hombre”. Y ahora ¿qué? No se trata de buscar un cambio (es posible, sí, “de aliento”) sino de la fidelidad al insistir, a responder al llamado ese en el que nadie llama a nadie y nadie es llamado por nadie y no hay palabras ni señales, es así “el signo indescifrado”, el signo sin-sentido, podríamos decir en la vida de su ser para...la muerte, o su ser muerte, o un signo fallido, sin para-algo, sin por qué y sin para qué. No obstante... No llegamos sino que estamos, temblorosos ante la expectativa de lo que viene, de la manifestación posible de lo siempre imposible. Sin promesas de nada porque el ahora no promete, ni siquiera promete el ser... De alguna manera la palabra “nombres” inauguró, por sobre nosotros, evidentemente, una manera de tratar, un desprejuiciado dejar a los otros y a nosotros mismos ser precisamente eso que poníamos de entrada: nombres, incógnitas, aventuras, ¿por qué no milagros, la inesperada e imposible aparición de la palabra, de todos los nombres y del nombre innombrable? Y después, ¿después? tal vez sigamos insistiendo en nuestro entusiasmo por el error, por lo incomprensible -como nos acusan algunos sin advertir el asombro que produce la lucecita poundiana que no busca nada y menos que nada alumbrar, y aún menos dirigirse al mundo como si fuéramos apóstoles o profesores, preferimos el tipo nietzscheano o el cuerpo-sin-órganos artaudiano, al empacamiento filológico erudito de los claustros universitarios que levantan como insignia la cautela, frente a la cautela nombres sostuvo el desarreglo, frente al mundo prefirió este puñado de casas cosas causas perdidas “en el fondo de lo desconocido”…si continuamos, es un decir, y podemos habitar en lo más abierto de la intemperie, entonces…a lo mejor…como una donación…podemos iniciar un nuevo comienzo de lo que ya somos, sin categorías, sin referentes…tratando de ser dignos del azar, del golpe de dados siempre en suspenso, sin determinación, sin causalidad… reivindicando el amor, la piedad, el porque sí, al perro que en nosotros se adormece y ladra en sueños, en el no del ser en el sí del no ser, oyendo los gritos y los susurros y respondiendo con la carne y el alma, no hay promesas del pasado ni del futuro, hay lo que hay, ¿o qué?

Gran Cierre del Año Editorial 2011!

2011-11-28T11:14:00.000-08:00

Ciudad de huecos - Marcela Rosales

2011-11-25T13:45:00.000-08:00

Dominó de 29 cuadros

Leer Ciudad de huecos me remitió a dos cosas. A la película One true Thing. Un film en el que un escritor nostálgico, lejos de la insoportable escena de su vida, contempla un cuadro desde la mesa de un bar, con el único fondo de un blues. Como algo que lo había iluminado durante todas esas noches, como el premio a su soledad, sobre el final de la historia decide poner el título del cuadro a su novela Camback in.

Imaginé a Marcela haciendo este mismo trayecto, la vi escribir "en la habitación oscura, delante del espejo", escuchando la música "que acaricia el alma", la vi colgar en los soportes del poema los cuadros de Edward Hopper casi en una coincidencia mortal.

La segunda es el dominó, palabra que incluye dentro de su poema "Vagón de tren". Esta ciudad está construida por 29 poemas, uno más que las fichas del dominó que se juega con 28.

La pintura de Hopper que ilustra la tapa sintetiza la idea de lo que viene. Introduce la incertidumbre, ¿es una ciudad real o artificial? ¿Son poemas ficcionales o autobiográficos?

No puedo decir que Ciudad de Huecos esté dedicado a Hopper. Cuando tomé el libro por primera vez pensé ingenuamente que sí, pero luego me di cuenta que Hopper es la identificación de Marcela, ambos utilizan la misma técnica para nombrar o para silenciar sus imágenes. Un poema es una pintura, una tumba paciente, una máscara.

Los poemas se relacionan y desconectan, no explotan ni implosionan, están a la espera de algo, dentro de una ciudad habitada por seres contenidos, en lugares cerrados o abiertos pero siempre con esa extraña sensación de que les falta el aire. Lugares donde la ropa no se seca, donde el invierno es imposible, donde las estaciones no caben...Vienen de más atrás y van más allá.

Siento que la escritura de Marcela por momentos es más frágil que ella misma y que incluso parece no resistir la fuerza desde donde viene su lenguaje, como si su puño cerrado, esta impotencia que trasluce el libro estuviera a punto de romper el poema y aparecer.

"Hopper consigue mediante sus imágenes un espacio real y metafísico a la vez, que comunica al espectador un sentimiento de alejamiento bastante fuerte. Lo consigue mediante una esmerada composición geométrica, por un sofisticado juego de luces y sombras, frías, cortantes e intencionalmente "artificiales" y por una extraordinaria síntesis de los detalles. La escena aparece casi siempre desierta; en sus cuadros casi nunca encontramos más de una figura humana, y cuando hay más de uno lo que destaca es la imposibilidad de comunicación resultante, que agudiza la soledad"

Los poemas de Ciudad de Huecos, transcurren en cámara lenta, hay una agudeza en la concepción del espacio que parece separarnos aún más, convertirnos en verdaderos espectadores. Leerla equivaldrá a estar dentro de un cristal, congelados, donde no se espera a nadie, donde “no se va ni se viene de ninguna parte". Los tiempos están provocativamente quietos, pero esto lejos de diluir, tensiona, y este es quizás el talento mejor logrado de Marcela en su poesía, lograr como en las pinturas, esta feroz distancia entre yacer dentro del cuadro como fría protagonista y el deseo de la que está afuera como espectadora movilizada a punto de romperse.

El lugar del padre no llega a ser evocativo ni nostálgico. Parece estar vacante, aludido en mil detalles, pero ausente al fin.

“Hay trenes que se empacan en maletas

aviones que se guardan en sombreros,

barcos que se doblan en pañuelos

y carrozas que se calzan con los guantes.

Las estaciones, en cambio, no caben, no caben

(se extienden por el mundo como rieles, y nos dejan varados)”

Todo lo que ella desearía que sucediera está fuera del poema y este es el dolor radical, la imposibilidad de modificar el lienzo más indeleble. Sólo puede deslizarse por la ficción del poema como por rieles, una palabra repetida del libro: RIELES marca esto del camino fijo, del que no puede salirse ni tomar un atajo, pero del que algo se espera, porque la sensación que uno tiene al mirar las vías de un tren es esta misma incertidumbre del libro, nunca sabemos si ya pasó o si viene, pero lo esperamos. En su poema "vagón de tren" dice, ese tren parece que no se mueve pero lo hace.

Por esos rieles ella espera que algo se lleve al que no puede irse.

Carolina Morning es el as del libro. El poema maestro, de allí se desprenden o congregan todas las verdades. "Es mujer recostada sobre el quicio de una puerta abierta a sus espaldas, que oye una música que acaricia el alma pero se niega a tararearla". A partir de ahí "ella duele más".

Ella es magnolia. La magnolia es anterior a la abeja por lo tanto es la flor que resiste. La resistencia de Marcela es anterior a la herida, incluso anterior a la certeza, y como la flor, como la dama de las sombras que no puede llorar, sus lágrimas convertidas en cristal la salvan, la mantienen despierta lejos de ese lugar al que no se puede dejar caer sin caer.

Ella busca un quinto continente, ella quiere hacer nidos de los huecos.

Plantea en los versos un efecto en dominó, una costura que la caracteriza y que lo notamos cuando lee en La Bandada:

“El fuego en el hogar,

el hogar perdido,

la inocencia del niño,

que no sabe que vendrá.”

“El hijo anudado a la madre,

la madre anudada al padre,

el padre anudado al cable,

el cable anudado al hueco,

de mis venas abiertas.”

Desanda para llegar a la certeza. Voltea sus propios muros hacia atrás.

La máscara responde a un deseo. Hay una máscara que el ausente lleva y sólo basta con quitarla. Repite y empuja esta palabra. Su fuerza crece.

Antes de los poemas hay subtítulos, o dicho de otra forma, antes de los cuadros de Hopper están sus propios cuadros, los que escapan incluso de la identificación de Hopper, los anteriores a la herida, estos títulos anuncian el camino de lo que romperá o no al final y al mismo tiempo reinciden en este efecto dominó, como señales o antecedentes de lo que viene después. Un título rompe en el poema posterior y éste a su vez en el que sigue, hasta que caen todas las fichas o se obtiene el cuadro final, la ciudad de huecos.

El silencio de la contemplación de una pintura es el silencio de lo innombrable y en este silencio Marcela, lo termina nombrando todo.

"Detrás del espejo guarda lo que escribe, eso que no puede hablar". Guarda la fe de lo que escribe detrás de lo que escribe, detrás de lo que escribe guarda su espejo.

Hay una sensación latente de estar entre lo irremediable, es el riel conductor, pero cuando se escribe todo lo irremediable comienza el remedio, horadar el hueco hasta descubrir el nido para nacer, escribir hasta romper el espejo, hasta disolver la propia escritura. Porque no hay hueco más irremediable que su puño cerrado. Porque los trenes siguen llegando bajo el cielo sin regreso, Ella se remienda el costado del miedo. Ella se remienda su hueco, su padre. Burla las tormentas. Compone el grito. Tiene el conocimiento que los otros ignoran. Percibe desde una ventana distinta, la que comunica con el interior, la que no da al jardín. Como el pintor, tiene las señales. No reniega de ser "mujer callada", esto le da el don de moverse como Hopper entre las luces y las sombras de una ciudad de huecos.

Laura García del Castaño

Sobre "Mil y una" de Susana Silvestre

2011-11-14T07:58:00.000-08:00

Astro (Astrum, Gestirn) e Imaginación (Imaginatio, Einbildungskraft)

Sabe que en el astro hay muchas esencias, esto es, no un astro, sino muchos. También sabe que existe una estrella que es superior a todo el resto. Esta es la estrella Apocalíptica. La segunda estrella es aquella del ascendente. La tercera es la de los elementos, y de estas hay cuatro; así se establecen seis estrellas. Además de éstas hay aún otra estrella, la imaginación, que gesta una nueva estrella y un nuevo cielo (Astronomía Magna, Paracelso)

La verdad, en esta tarde, yo quisiera decirles que apenas conocí a Susana Silvestre. Hay quienes creen que lo importante es el texto que se despliega frente a los ojos y que no cuenta el retrato de quien tuvo que pensar en una primera frase y luego seguir en búsqueda de una forma completa. Si no conocemos al autor, la escritura basta para saciar nuestros deseos de lectura. Si lo conocemos mucho, su imagen puede llegar a ser una presencia absoluta y a condicionar las reglas del código narrativo. Si apenas lo conocemos, si pasó junto a nosotros como el referente natural de un grupo, en una circunstancia incluyente que nos elegía y lo elegía para completar un cuadro, su presencia será una leve impronta que acompañará nuestra mirada y la marcha de la escritura. Así fue la presencia de Susana Silvestre en mi lectura de su libro, una figura tenue, de rasgos difusos, pero con una pesada carga de sentido, insostenible su manera de no estar más e irreparable su ausencia.

Sorpresivamente, la encontré en una clase de música de Pablo Kohan, musicólogo. Me alegró verla en el grupo. Una escritora que quiere escuchar mejor, llegar más adentro, más allá del sonido. Sólo más tarde comprenderé, al leerla, que ella alimenta sus textos con un saber múltiple, que satura con fundamento la estructura que va a contener el relato, hasta convertirlo también en un aprendizaje: somos más sabios, entendemos mejor lo inasible de una pintura, la articulación de un mito, la filosofía de una época. Ella está allí, como yo, en las filas de una clase limitada por anaqueles donde brillan infinitos lomos de cds que el ojo codicia y pondera. No recuerdo haber compartido ese curso con demasiados escritores; uno o dos, quizás. Ella no será una presencia que perdure. O acaso yo sea la que no perduró en ese año alrededor del maestro Kohan. Susana se delineó entonces como una figura singular, nos reconocimos y prometimos vernos.

Desde allí hasta ahora el arco del tiempo parece desesperarse, es como una saeta que ha partido de esa evocación y va a detenerse en un punto que no estaba en su decurso, en mi lectura. El encuentro prometido nunca se dio. No puedo sino conformarme: tengo las páginas de sus libros, de ahora en adelante y hacia el futuro. Desesperación y conformidad, en efecto, connotan el párrafo anterior.

Me pongo en el lugar del caballero de Mil y una, narrador sin edad, pero sin juventud, que huye de su presente terrenal y palaciego para llegar al mero sitio de la narración, una posada, donde la novela va a suceder, un lugar sin coordenadas espaciales que se define como remoto, esa señal propia de los cuentos que crea el aura de lo maravilloso. El voyeur que verá desplegarse antes sus ojos las historias que habrán de contar unas presuntas brujas, mujeres separadas del mundo, que saben hacerlo y cuyo designio es poner en juego la imaginación y el conocimiento, cada cual con su estilo, y sostener la inteligencia y la belleza con que han sido dotadas. Excepcionales mujeres, porque su propósito se cumple a través de un encadenamiento sostenido de referencias que enlazan las obras grandes de la poesía y el arte. Enciclopédica en todos los ámbitos de la cultura, Susana Silvestre confiere ese atributo a las sucesivas narradoras de Mil y una para componer un friso en el que se lucen la erudición y el ingenio. Alcanzar ese lugar de privilegio: estar en el centro del fogón, como se diría en nuestra gauchesca, o en la posada de los clásicos donde los trotamundos se reúnen junto al fuego para ejercer los oficios del narrar y del escuchar narrar, que se cocinan juntos para gloria de la literatura, alcanzar ese privilegio, decía, no es obra del azar. Es necesario – aunque en esto no debe leerse una receta – tener una aproximación a la literatura y a las artes de una gran curiosidad intelectual, capaz de buscar en esos fenómenos la apoyatura, el realce y la expansión en los que se articulan; entenderlos desde adentro y saber no sólo verlos sino escribirlos, con la pericia que da poseer la inteligencia de diferentes discursos.

Ese poder alquímico – si se piensa en la transformación o la transmutación y todos los otros procesos que constituyen las llamadas “ciencias del espíritu” – se verifica en la creación de mundos y es tan oculto y misterioso como el que empuja el surgimiento de las formas en el arte. ¿Acaso la razón puede explicar la ocurrencia de una imagen única surgida del sueño de un poeta hasta ser un mito que viaja a través del tiempo para repetirse? ¿A quién puede no deslumbrarle la fuerza milenaria de las historias de Sherezade en Las mil y una noches, una corriente que no cesa y cuyo sentido es posponer la ejecución y suspender la muerte? En Mil y una Susana Silvestre recrea una estructura abierta a la que se suben aquellos conceptos de vida eterna como la reencarnación y filosofías adyacentes, confiadas en el poder del espíritu para conjurar el final de la vida y contradecirlo mediante un eterno retorno difícil de desmentir. La muerte se pospone porque hay palabra, letra, escritura, transmisión, lectura.

En el título de la novela caleidoscópica de Susana ha desaparecido el artículo en plural las y el sustantivo noches, una operación restrictiva que deja más desnudo el significante del número, aunque sin la referencia que quiere cuantificar. Mil y una es la medida de muchas otras cosas. Es una exacerbación en el sintagma “Pasó las mil y una” o “Me hizo las mil y una”, que describen una demasía. La cifra mil avanza sobre el infinito pero después de haberse retrotraído a la menor de la serie: una. Luego se relanza como aquella saeta que signaba mi breve relación con Susana: regresa a su origen y vuelve a dispararse al infinito.

Mil y una no puede tener final, pero termina. Las brujas que contaron sus historias han dejado al irse la pátina de sus colores, los cielos de paisajes recorridos en su andar, la resonancia de la música y de las palabras, el prodigio del contar que está en todas las formas del arte. Solitario y abandonado, el trashumante que fue voyeur y testigo de la alternancia de voces de la narración, que amó a cada una de esas mujeres, siente una pena inconsolable. Cree haberlo perdido todo. De pronto las voces vuelven a sonar. Y una en particular, Morgana, cuyo nombre es el del hada, ente o ser, que en Las mil y una noches preserva de morir a Alí Babá, canta el lamento de Orfeo por la pérdida de su amada: Che faró sensa Euridice/che faró senza el mio bene. Un llanto del que no se retorna. Y, sin embargo, dos líneas más abajo, el relato se detiene en un título; quien escucha a Morgana enuncia: “Orfeo y Euridice de Gluck”, como si adivinara o acertara con el nombre de un título y de un autor. De nuevo surge el poder de la creación, la literatura que necesita nombrar, una autoría que rodará hacia la eternidad mientras exista el narrar. Sherezade recomienza su noche.

Tununa Mercado

Sobre "Fondo Blanco" de Javier Ramacciotti

2011-11-14T07:56:00.000-08:00

para caer hay que caer

Qué decir del fondo, de esa superficie que es el fin de lo superficial, allí donde parece terminar lo visible y lo tangible.

Qué decir del blanco, de ese color que no es un color, o más bien, que parece ser ausencia de color al rechazar la luz por exceso.

Qué decir de un juego (pulsión de muerte más o menos enmascarada) que se goza en el fin, donde el jugar mismo consiste en ver el fin consumido del fondo y no en la duración de lo que se consume; donde la ansiedad (más o menos infantil) de ver ese blanco cristalino del vaso se apaga con cada intempestivo fin y se enciende con cada sucesiva ronda.

Qué decir de lo que recomienza hasta que algo cae, un cuerpo exhausto, un poema terminado.

Qué decir si se dice que para caer hace falta caer: decir lo obvio que ya se dice en la fórmula que se duplica, o eso que aún queda por decir en el revés de lo que se repite.

Qué decir del blanco fondo de la página, del fondo blanco del vidrio, del blanco que siendo fondo ilumina y del fondo que siendo blanco ciega; o del blanco fondo intocable y del fondo blanco intangible.

Qué decir del tocar, de lo intocado de las imágenes y de su fondo o de su superficie, del tocamiento de las palabras y de su caída, su cadencia.

Qué decir de un libro que anuncia un fondo y una ausencia, que hoy tocamos como cuerpo pero cuya escritura queda in-tacta en su blanco, esto es, en su centro.

Qué decir del anuncio del fondo, qué de la certeza del blanco.

No soy una mujer, soy un mundo le dice la reina de Saba a San Antonio en el centro irascible de su tentación, en la nada poblada de fantasías de su retiro… y aquí, en este fondo blanco que se hace espejo de los desiertos, aparece otro a punto de probar su caída, Krakatao, que debe anotar lo que la voz le dicta: no soy una palabra, soy todo lo que hay de decible … debe anotar eso, que nada vale para la vida salvo su lentitud en llegar, y que peligra, no lo que no puede decirse (acaso nada haya que no pueda decirse en este fondo blanco), sino el mundo terrible que se arremolina cuando todo lo que puede decirse se hace en la boca como caverna y no como embocadura, en labios que no pronuncian sino que cierran su mundo en un grito que contiene la potencia de todas las palabras … Krakatao debe anotar la lección de la pérdida del lenguaje en la perdición de lo amable: “si amás, estás perdido”, dice la voz anunciando ésa, la irreparable sentencia del desapego, del desasimiento que no es soltar alegremente lo prescindible, sino restregarse la mirada con la arena incierta de la certeza de toda pérdida.

Probando perderse, el movimiento que se produce es desde el fondo hacia el blanco, es un pasaje: “pasás de lo oscuro / a lo más claro” dice esta voz, y es que de lo oscuro del fondo a lo claro del blanco hay un itinerario hecho con juegos que se saben perdidos, un desquicio de la lógica de la ganancia, una apuesta por la potencia de lo simulado, una incertidumbre frente a lo sólido de las negaciones y de las afirmaciones, una entereza frente a lo tenue que se fuga como la voz ante lo que muere.

Porque no hay melancolía, ni nostalgia, ni queja en esta voz es que el juego de la mirada no se dirige hacia lo que no vuelve sino a eso que aún no llega, aunque nunca haya dejado de llegar: hay intensidad de espera, espera que no debería confundirse con esperanza, sino una espera que habría que hacerla jugar con las resonancias de espesura, de expectación, de exceso: espera espesa, densa, expectante, excesiva, no de algún anuncio salvífico que venga a cumplirse, sino de una caída que recomience, que no se pretenda definitiva sino que se alce cada vez, que precipitada e inacabadamente se deslice desde fondo hacia el blanco.

Es que lo que hay en esta voz es una decidida voluntad de jugar el juego de la repetición, siguiendo esa única fe en la energía que mueve los cuerpos que caen para caer, movimiento común de la materia, comunidad de la caída …

Pero ¿dónde caen los cuerpos?, ¿dónde cae la mirada que se sabe cayendo?, ¿con quiénes se labra esa comunidad de los que caen? “¿Dónde comienza un parentesco, /y dónde una distancia?”, se pregunta esta voz. Y acaso, en la espera, se podría ensayar apenas una respuesta entre tantas: el parentesco comienza en el fondo y la distancia, en el blanco. La comunidad de los que caen saben del fondo blanco que los acerca y los distancia, que los filia en la materia de sus cuerpos cayendo al fondo y los aleja por el ruido propio que hacen al caer en el blanco. Sin embargo, otra cercanía se hace, un espacio común de otro tipo se abre, porque la caída tiene un espacio ineludible y singular en este fondo blanco: se cae inevitablemente al costado de los cuerpos y de las cosas. Siempre se está al costado, y ese costado es tanto un estado cuanto una estación, tanto un espacio cuanto un tiempo. Porque estar al costado de las cosas implica una decisión por principio: “¿Cuándo fue que decidimos no elegir/ ninguno de los lados?”, se pregunta esta voz, evidenciando que ese costado no pertenece ni a uno ni a otro lado, sino a su umbral, a ese fondo y a ese blanco que se dejan caer uno en el otro, otro en el uno, mostrando no la profundidad de un derrumbe irreversible sino la simple lateralidad de lo que cae.

Lo que cae, recomienza, orbitando en lateral, repitiendo las palabras de la cercanía y de la distancia para confundirlas en un mismo costado, en un mismo espacio sin reveses. Porque no es el volumen sino el costado de las cosas lo que se experimenta al caer que la materia no interesa en su creación sino en su permanencia: caer al costado supone así un ambiguo movimiento de costear, vale decir, costear como cubrir el peligro de la caída y costear como recorrer ese costado al que se cae.

Caer al costado de las cosas, en esa lateralidad de estar, se hace un quedarse: al fondo, quedarse en blanco; sin dormir, sin comprender, sin lo que uno se esperaba pero en la espera de que recomience el ejercicio lateral de la afirmación de lo que cae con una velocidad incierta y se pierde con la misma rapidez, para volver a afirmarse en nuevas combinaciones, en múltiples repeticiones, nunca en el centro de algo así como una verdad, sino en el costado de lo que se afirma para caer.

Del fondo al blanco, en suma, qué decir: decir que es más claro que las cosas, o que está más vacío que las palabras; que es ausencia de escritura, de trazo; o que es una hiancia, un hueco, un espacio que se deja en blanco en la escritura, escritura en blanco, escritura sin escribir, sin imprimir, sin presión. Qué decir entonces de la escritura aconteciendo en la suspensión del peso de lo escrito, haciendo blanco en la pura caída de lo que cae para saber que cae, de la pérdida del peso y del volumen de las cosas por el costado en el que se abre su mundo.

Qué decir del cuerpo vulnerable que trae una suma y no una carencia, que evidencia un resto y no una falta, cuerpo que por mostrarse vulnerable menos se acerca a la inocencia que a una incierta forma de la culpa; cuerpo intermedio entre las cosas (que no toca en su tranquilidad de cosas) y los nombres (que no se pronuncian sino que se delegan para ser acomodados en unas manos sin rostro y sin voz).

Qué decir de esa manera de buscar que tiene este fondo blanco -aunque siempre con un segundo de retardo- en lo frágil, en lo abandonado, en lo que cede y en lo que ex-cede, maneras de buscar esas formas de lo amable caídas al costado de lo que no pudo más que amarse.

Qué decir, al fin, de esa insospechada felicidad que se conquista cayendo.

Gabriela Milone

(Presentación Fondo blanco de Javier Martínez Ramacciotti.

Capilla Buen Pastor, 4 de noviembre, Cba.)

Trabajar cansa/Vendrá la muerte y tendrá tus ojos - Cesare Pavese

2011-10-30T16:03:00.000-07:00

Trabajar cansa

Atravesar la calle para escapar de casa
lo hace sólo un muchacho, pero este hombre que anda
todo el día por las calles, ya no es un muchacho
y no escapa de casa.

Hay en el verano
tardes en que hasta las plazas se vacían, tendidas
bajo el sol que va a caer, y este hombre que llega
por una avenida de inútiles plantas, se detiene.
¿De qué vale estar sólo, si es cada vez más solo?
Solamente de andarlas, las plazas y las calles
están vacías.Hay que parar a una mujer
y hablarle y decidirla a vivir juntos.
Y si no, se habla sólo. Es por eso que a veces
hay un ebrio nocturno que comienza diálogos
y narra los proyectos de toda su vida.

No es por cierto esperando en la plaza desierta
que se encuentra a alguien con alguno, pero quien pasea calles
se para cada tanto. Si fuesen de a dos,
aún paseando en la calle, la casa estaría
donde está esa mujer, y valdría la pena.
La plaza por la noche vuelve a estar desierta
y este hombre, que pasa, no ve ya las casas
entre luces inútiles, no alza más los ojos:
sólo ve el empedrado, que otros hombres han hecho
con las manos curtidas, como lo son las suyas.
No es justo quedarse en la plaza desierta.
Seguro que andará en la calle esa mujer
que querrá, de rogarle, echar manoa la casa.

Traducción: Rodolfo Alonso

¿Quién conoce a Antonin Artaud?

2011-10-30T16:01:00.000-07:00

Libro de Ensayos sobre Antonin Artaud + Inedito + Carta + Texto

Indice:

Antonin Artaud / René Char
Nos hablan de Artaud
Porque lo he amado mucho... / Arthur Adamov
El hombre Teatro... / Jean-Louis Barrault
La cruel razón poética / Maurice Blanchot
Entrevista con André Parinaud / André Breton
Más allá de la muerte / Abel Gance
Ni un dios, ni un demonio / Eugéne Ionesco
Después de diez años / Maurice Nadeau
Antonin Artaud y la desesperación del conocimiento / Tristan Tzara
"¿Antonin Artaud? Nadie" / Jean Wahl

Artaud según Artaud

Un inédito
una carta
Un texto

El juicio final / Rodolfo Alonso

Introducción a la Poética - Paul Valéry

2011-10-30T16:00:00.000-07:00

Traducción: Rodolfo Alonso

Paul Valéry ► Intoducción a la Poética: Título que contiene aquella primera (y luego interrumpida) lección por él dictada, en París, el 10 de diciembre de 1937, al hacerse cargo de la Cátedra de Poética en el tradicional Colegio de Francia. Este agudo y lúcido texto, cuya brevedad quizá contribuye a acentuar su irradiación, ha venido a constituirse por su carácter (transcripción de lo emitido en aquella última clase), en un auténtico e invalorable testimonio. Y, al mismo tiempo, por los alcances y relaciones de lo que en estas páginas se expone, también en una reveladora sorpresa.

Presentaciones Noviembre

2011-10-26T13:37:00.000-07:00

Alción Editora

tiene el agrado de invitar Ud./s a la

presentación de la última novela de Susana Silvestre

galardonada con el premio Casa de las Américas 2007

Mil y una

Susana Silvestre

el día martes 8 de noviembre a las 19 hs.

Participan:

Tununa Mercado, María Ester Mayor

y Juan Carlos Maldonado

Casa Cultural Rincón

Rincón 1330, Buenos Aires

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Intervenciones sobre el pasado

Marta Philp
(compiladora)

el 03/11 - 19:30 hs

Casa de Pepino

(Belgrano y Fructuoso Rivera)

Córdoba

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Alción Editora

tiene el agrado de invitar Ud./s a la

presentación del libro ganador del concurso El BanQuete 2011

Fondo Blanco

Javier Martínez Ramacciotti

04 de noviembre - 20 hs - Capilla del Paseo Buen Pastor

Presentación a cargo de: Gabriela Milone y Pablo Natale

Sobre "Doble de riesgo" de Cristina Lobaiza

2011-10-26T13:32:00.000-07:00

Doble de riesgo se abre con una dedicatoria: A la memoria de mi madre. Es esta la primera señal de la escritura, del libro abierto.

Quizás nada en nuestras vidas está más ligado a la memoria que la madre. Lezama Lima decía: “mi madre está siempre en la memoria”. Algunos saberes, adjudican a la madre el valor simbólico de la luna, cuya mayor virtud, se dice, es la memoria, sobre todo la sensible memoria emocional de los seres.

Luego de la apertura hay dos citas de la Apología de Sócrates que concluyen con una interrogación acerca del enigma, aludiendo a lo indescifrable del deseo de los dioses.

Ese enigma que puede estar habitando cualquier espacio del universo, por pequeño que sea, y, por una fisura inesperada, puede ingresar el develamiento: lo que permite a nuestro campo de observación derivar hacia dimensiones renovadas.

Dejarse llevar por el impulso del lenguaje es permitir que aquello que nos precede en el pensamiento se haga presente, pienso, ahora, en ese poeta extraño, autor de Una jugada de dados..., este poeta, Mallarmé, escribió alguna vez: “La destrucción ha sido mi Beatriz”. Que alguien se acerque a un libro, cuyo lenguaje roza el espíritu libertario, como Doble de riesgo, con ánimo de hablar de él, de acercar de algún modo y ensayar una opinión conceptual sobre esa escritura corre un riesgo, que es otro respecto al de la autora pues ella enfoca su escritura sobre una especie de complejo molde de indescifrable forma, no hay nada más, aquí, que la forma del soneto, eso que sabemos es su métrica estricta. A esa métrica le suceden las palabras de Lobaiza, ella deja deslizar sus palabras como en un juego en el que los conceptos fluyen y dejan el aura de su sello. Hablar de esa peculiaridad de su lenguaje, su modo expresivo es el riesgo de destruir algo de lo que nombran la fragilidad de los versos, cuya vibración es como lo etéreo que se encuentra a cada instante, algo que pareciera espejarse y darle forma a la estructura mayor que todo lo contiene. Esta estructura, cuidada estructura que se construye línea a línea, puede mirarse desde ángulos variados y llegar hasta la idea de aquel Lope que dedicó catorce versos a Violante y dejó plasmada para siempre la receta de esta escritura cuya forma fija nos dice que: “Catorce versos, dicen es soneto” y visto desde otro saber como la cábala el 14 es mano y mano es la herramienta que traza el signo que luego deviene definitiva forma.

Doble de riesgo son nueve sonetos intervenidos por Diego Melero, en las intervenciones se ve una marca distinta a la de quien escribe. Lobaiza es la voz trazada desde una recorrido donde lo memórico, lo dejado atrás, pareciera un alegato, algo como un bramido suave de la lengua cuyo anhelo es quitar las esquirlas que la vida prodiga, de un tirón, sin queja alguna.

Diego Melero va dejando en su intervención una especie de huella que cae en vertical y en esa huella conceptualiza el escensario del poema. Son como pequeños escolios que recorren, de modo parco y sustancial, el espíritu del poema. Esto lo hace desde una óptica distinta y complementaria.

Claro que una intervención puede, como en este caso, trasladarse de poema en poema, ir bajando por el costado y hacer la señal indicatoria donde el otro es explicado por signos que no coinciden con los del escriba, más bien lo interpretan, como si lo tradujeran hacia otro idioma, donde las referencias de lo escrito, el escrito inicial, fuera despojado de la esencia emocional y ese cuerpo comenzara a tener un nuevo y recreado sentido, algo distante de aquello que le dio el primer latido.

Uno, como uno, por ejemplo, desde otro lugar, puede decir que lee uno de estos poemas y se escapa del sentido y juega a tomar pares de palabras en donde el sentido inicial se trastoca y, a la vez, cobra un giro inesperado. Por ejemplo, en el primer soneto podemos tomar pares de palabras, al azar, y construir este esquema: muñecas/pecas; marcas/chicas; loca/bodas y nada/todas. Podríamos continuar el juego de experimentación y tal vez dibujar, cada uno de nosotros, el Doble de riesgo propio, el que cada uno pueda construir y así entre todos lograríamos un insospechado mandala, cuyo dibujo expresaría un insólito lenguaje colectivo alejado años luz del lenguaje primitivo.

Vemos, entonces, aquí, que en esto de desintegrar encontramos nuevos sentidos en la escritura: oposiciones y conjunciones donde antes habíamos leído otro sentido. Es decir, podemos ver/leer el lenguaje poético como la excelencia del lenguaje articulado donde, cada palabra, toma un valor insustituible para poder expresarse como conjunto, de allí que el valor compositivo derive, siempre, en un valor que, sabemos, requiere de arduo tiempo de maceración y dominio para devenir arte, es decir, repetición del gesto.

Lobaiza ha dejado en estos nueve poemas no sólo una mostración de la posibilidad de construcción, perfecta desde la receta apuntada de la forma fija, sino además el modo interno de manejar con entera libertad el lenguaje, haciendo de él algo que nos toca el cuerpo desde una radiación que seguramente nace de lo insondable de la vida.

Creo que la línea poética que trabaja Cristina Lobaiza tiene perfiles de identidad que la destacan de otras voces por un matiz diría, arriesgado e infrecuente, este matiz es visible en expresiones concretas de sus poemas donde juego y dolor se cruzan y parecieran saludarse hasta con amabilidad, esto es infrecuente, lo hemos visto ya en Cross Talk y lo renueva ahora en este nuevo libro que, agradecemos, nos haya confiado.

En cuanto a la forma utilizada en este libro, el soneto, es una métrica que en mi ciudad fue muy trabajada. Muchos de los poetas más reconocidos fueron virtuosos sonetistas, hay algunos, poetas vivos aún que han superado los cinco mil sonetos, como el caso de Daniel Vera, extraordinario poeta. Otros como Lugones y Filloy también practicaron y ejercitaron esta forma. Hubo un tiempo de escritura de esta forma donde era común la difusión de concursos de sonetos, Alción misma, en otro tiempo, publicó una Colección de libros de sonetos con el nombre de Violante, en homenaje al poeta español que antes nombrara.

Dejaré para Uds. La lectura de un soneto que escribió el poeta Emilio Pizarro por los años 25 del siglo XX. Poema que en alguna medida confirma la mirada de Sarmiento sobre la cultura cordobesa definida en su Facundo. Este poeta se suicidó años más tarde con un revólver que le había pedido prestado al Comisario Carceglia. Como Uds. pueden apreciar, toda una consecuencia entre acción y pensamiento.

Dice el soneto:

Tiene la Docta un río que es un hilo

De agua apestosa que se arrastra, lento

La Catedral confuso monumento y

La Universidad que es un asilo.

Ciudad de todo lo que causa estrilo

Ciudad de metejón y aburrimiento.

Ciudad que pone en fobia al más tranquilo

Tu virtud fue el estrilo de Sarmiento.

Ir al cine, chismear, dormir lasiesta

Hacer sobre política una apuesta,

Contarle el abolengo al peluquero.

Esa es tu vida cultural y artística,

Cuándo te perderé Docta de vista,

Cuándo saldré, doctor, de este agujero.

Juan Maldonado, 19 de octubre de 2011

Reseña "El Shock de los Lender"

2011-10-22T11:28:00.000-07:00

Revista Ciudad X - Octubre 2011

Presentaciones Octubre: Artaud - Valéry - Pavese

2011-10-04T09:20:00.000-07:00

Presentación de "Jeroglíficos" (Tomo I) de Juan Pedro Valeriano

2011-09-22T09:47:00.000-07:00

Alción Editora y Asociación de Magistrados y

Funcionarios del Poder Judicial

tienen el agrado de invitar Ud./s a la presentación del libro

Jeroglíficos

(Tomo I)

Juan Pedro Valeriano

el día viernes, 23 de setiembre, a las 19 hs.

Participan:

Darío Néstor Sánchez (Dr. en Historia);

Héctor Horacio Gerván (Especialista en Egiptología) y

Diego Roberto Márquez (Traductor de la obra)

Belgrano 224

Córdoba

Reseña: "El cuchillo" de Guillermo Bravo

2011-09-05T12:30:00.000-07:00

Dia Siete Edicion 212 Nota Libro Guillermo Bravo

Presentaciones Septiembre: "Córdoba Desconocida"

2011-08-29T10:42:00.000-07:00

Alción Editora

Asociación de Magistrados y

Funcionarios del Poder Judicial

tienen el agrado de invitar Ud./s a la presentación del libro

Jueves 01/09 - 19:30 hs

Belgrano 224

Córdoba - Argentina

Presentaciones Agosto: "El Shock de los Lender" de Jorge Santiago Perednik

2011-08-27T20:07:00.000-07:00

Presentaciones Agosto: "El Shock de los Lender" de Jorge Santiago Perednik

2011-08-23T06:35:00.000-07:00

Presentaciones Agosto

2011-08-09T06:30:00.000-07:00

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Alción Editora

Invita a la presentación del libro

Dinero y delito: la tradición materialista en la

lectura/escritura pigliana del género policial

Lucía Feuillet

El día 12 de agosto - 19 hs.

Sala Cognigni (planta alta)

Cabildo Histórico

Córdoba

Colección "Un lento venir viniendo"

2011-08-08T08:30:00.000-07:00

Novedad!!!

2011-08-08T08:27:00.000-07:00

Reedición

Joseph Brodsky - Poemas

Reseña "El legado" de Carmen Marengo

2011-07-27T06:24:00.000-07:00

Reseña "Poemas de Estambul" de Denise León

2011-07-27T05:56:00.000-07:00

CRITICAS DE LIBROS

Vuelo lírico, contenido y sugestivo

Domingo 24 de Julio de 2011

Poesía
POEMAS DE ESTAMBUL
DENISE LEÓN
(Alción Editora - Córdoba)

Cuando la poesía, dueña por excelencia de la palabra escrita, opta por sugerir más que por decir, se produce un hallazgo que los lectores agradecen. Ese mecanismo de síntesis es algo que encontramos, ya desde la primera página, en este libro de la autora tucumana Denise León.
En un interesante juego de opuestos, donde lo perfecto a veces es terrible, y donde los pequeños milagros suceden en el lugar equivocado, esta poesía va autorreferenciándose y tomando peso.
El libro se divide en dos partes: "La isla de Alicia", compuesta por textos sugestivos, proclives a continuarse fuera del discurso poético; y "Poemas de Estambul", en versión bilingüe (ladino y español) donde la autora escribe desde la nostalgia, desde los recuerdos de infancia, consiguiendo hacer una epopeya de lo cotidiano.
Las versiones en ladino, como todos los escritos que se suceden como mínimo desde el siglo XVI, son puramente fonéticas; y la grafía, no rigurosa, corresponde al criterio y al gusto de cada autor. Desde las traducciones de Yeudá Abravanel, hasta los poemas de Lina Kohen Albukrek, el ladino escrito es distinto. Tal vez sea Juan Gelman en "Dibaxu" quien profundice en lo coloquial de esa lengua sin caer en exageraciones ortográficas. Ya que el ladino literario era la escritura del español en letras hebreas, lo que hoy exige este tipo de trabajo es una suerte de segunda traducción, o bien una escritura fonética que apele a la mayor similitud con la lengua original, hablada o recordada. Al acompañar sus versiones orales por un español actual, Denise resuelve con verdadera gracia esos pequeños huecos que podría dejar el entendimiento tras la lectura de los poemas primigenios.
El libro en general, en sus dos partes, es una invitación a la lectura mesurada. Creo que una autora que trata de explicar el silencio, asegurando que "es verdadero y es terrible, como cuando las palabras se comen unas a otras", merece ser leída.
Todo el poemario, en definitiva, rezuma encanto y hace gala de un vuelo lírico contenido que lo preserva como un objeto encantador e inquietante al mismo tiempo.
© LA GACETA

Rogelio Ramos Signes

Reseñas "Natatio Aeterna" de Alicia Kozameh

2011-07-22T10:44:00.000-07:00

La Capital, domingo 24 de julio de 2011

[lec turas]

Un resplandor perdurable

En Natatio aeterna,

Alicia Kozameh indaga

en las tensiones entre

lo individual y lo grupal

Entre libros. Alicia Kozameh, nacida en Rosario y residente en Estados Unidos.

> osvaldo aguirre <

La identidad y el modo en que diversos personajes se reconocen (o no) como integrantes de un grupo son el eje de la última novela de Alicia Kozameh (Rosario, 1953). La cuestión es introducida con una pregunta casi imperiosa: “¿usted quién es, cómo se identifica, a qué grupo pertenece?”. Pero lo particular de Natatio aeterna no se desprende tanto de las respuestas que se pueden plantear sino del modo en que el tema se convierte en la forma del relato mismo, para configurar una singular voz narrativa, que es una y a la vez muchas.

Un neurocirujano, una bailarina de ballet, un músico con problemas de adicciones, una nena, un militante de los años 70, una inmigrante latina en los Estados Unidos, son algunos de los personajes que se suceden en el transcurso de la narración. Situaciones y perspectivas bastante diferentes, que sin embargo se asocian en el acto de narrar. Cada uno de los personajes habla en primera persona, pero el relato no separa sus voces, al contrario, trata de atenuar sus diferencias como para que el cambio de una a otra sea imperceptible. Integradas en el hilo de la narración como partes de un mismo movimiento, la asociación de las voces demuestra que hay algo en común entre los hablantes, por más disímiles que parezcan, algo que pasa inadvertido a primera vista y que la ficción apunta a descubrir.

Así como el narrador integra múltiples voces, la historia se configura a través de experiencias heterogéneas, en una construcción que puede describirse con términos de la gastronomía: la clave pasa por el modo en que se combinan los ingredientes y la temperatura en la que se cocinan, “como para que los elementos se asocien entre sí en un proceso químico favorable a todos, para que todos los integrantes del grupo sientan el calorcito, sepan que están incluídos, para que se sientan seguros y fuertes”. Es que los hechos, sugiere uno de los personajes, no tienen sentido sin un ámbito en el que puedan circular y transmitirse, en el que se conviertan en recuerdo y entonces en memoria compartida y objeto de un legado.

Con la voz, hay un elemento enigmático que pasa de un personaje a otro: una valija con una corona, un despertador y una maquinita de afeitar. El fluir del tiempo (o más bien el modo en que el tiempo no transcurre, en la particular visión de Kozameh), el dolor, la muerte, el miedo, la relación con los otros, son preocupaciones que asimismo retornan en el desarrollo de la novela.

Presa durante la última dictadura militar, Kozameh ha construido sus ficciones sobre la base de la experiencia de la cárcel y la militancia y como escenario de una reflexión política vuelta hacia el pasado y a la vez situada en el horizonte del presente. En este libro pueden leerse nuevas modulaciones de esa interrogación, su rechazo a palabras tan cargadas de sentido como derrota y sobreviviente, el constante llamado a los compañeros.

“¿Dónde pueden encontrarse sus señales? There’s a kind of hush. Es cierto. Sin embargo, algo, algo se percibe”, dice el militante de los años 70. En el final de Natatio aeterna, una adolescente le pide consejo a un viejo músico. Quiere comprar un tambor. Ese simple motivo desencadena una intensa reflexión sobre el ritmo y la creación verbal, la necesidad de “escuchar, hacerse cargo de los sonidos de la vida” y a la vez advertir que “importa más lo que no se toca, el sonido que se contiene dentro de uno para escuchar el que producen otros”. Una iluminación que remite al principio mismo del libro, como inscripción “del resplandor que no se decide a abandonarme” y en el cual Alicia Kozameh sigue encontrando un poderoso motor de escritura.

CULTURA / ESPECTACULOS › LITERATURA. NATATIO AETERNA, NUEVA OBRA DE ALICIA KOZAMEH
Reflexiones sobre el ser con otros
En el libro de la escritora rosarina, diez voces configuran un árbol de la vida, como diez emanaciones del Eros, la pulsión de vida en su sentido más ampliamente amoroso, que puja por volver a unir lo que la maldad ha separado.
Por Beatriz Vignoli

Kozameh publicó en 1987 el premiado Pasos bajo el agua

¿Qué tienen en común un vándalo austríaco, una joven bailarina de ballet ecuatoriana con fantasías homicidas, un músico de rock ex cocainómano en Los Angeles, una niña coreuta y fóbica, un viejo militante argentino que no se resigna a la derrota, un neurocirujano con fantasías homicidas, una gata, una chica chicana con una vida difícil, un gay con sida, y un tamborilero místico en Venice Beach? Todas esas son las voces de la polifónica novela Natatio Aeterna, de la escritora rosarina Alicia Kozameh.
La novela está fechada en Los Angeles el 18 de julio de 2007; la publicó en mayo de 2011 la editorial Alción, de Córdoba, que también reeditó su premiada Pasos bajo el agua (con una inhallable primera edición en Buenos Aires en 1987, que le costó a su autora, retornada al país en 1984, un segundo exilio). También salió por Alción en 2003 la primera edición original en castellano de la ficción de tema autobiográfico Patas de avestruz, que ya se había publicado en versión al alemán en Austria; había sido empezada bajo hipnosis en Buenos Aires y terminada en Los Angeles en 1989. "Comprendo los hechos, los entiendo, los elaboro, a través de las formas creativas", le contó Kozameh a la académica austríaca Erna Pfeiffer en Exiliadas, emigrantes, viajeras. Encuentros con diez escritoras latinoamericanas.
Alicia Kozameh (nacida en Rosario, en 1953) ingresó en 1973 en la carrera de Filosofía y Letras de la Universidad de Rosario. Desde el 24 de septiembre de 1975 hasta la Navidad de 1978 estuvo detenida por motivos políticos: primero en "El sótano", de la Jefatura de Policía de Rosario; luego en Villa Devoto. En 1979 pasó seis meses en libertad vigilada en Rosario. Tras recibir presiones y amenazas del gobierno militar, se exilió en 1980, primero en California y después en México. En el capítulo 6 de Pasos bajo el agua narra aquel 1979 en que "encontrar subterfugios que nos abrieran accesos a la vida, en un punto se convirtió en una obstinación". En el capítulo 7 (que obtuvo el premio Crisis en 1986 y fue reeditado recientemente por Ross como parte de El río en catorce cuentos) relata en forma no lineal y fragmentaria el traslado desde "El sótano".
Esquirlas de la memoria del trauma afloran al comienzo de Natatio Aeterna, cuyo tema no es la represión sino el sentido profundo que tal vez haya tenido la militancia: un sentido de unión casi mística. El libro se abre con una alusión explícita a la detención, donde la autora se apropia de la pregunta del represor para marcar el tema que las densas y bellísimas 164 páginas se encargarán de explorar y resignificar al infinito: "¿Usted quién es, cómo se identifica, a qué grupo pertenece?". La idea de que se responde a la pregunta por quién se es sólo en relación con la pertenencia a un grupo es indagada en diez versiones, diez voces reconocibles y diferenciadas; una incluso habla en spanglish, otras dicen fragmentos en inglés; otra, maúlla.
Cada voz tiene su estilo y su propio ritmo; sin embargo, la prosa del libro mantiene una unidad. Los pasajes entre una voz y otra no presentan fisuras; lo que logra Kozameh es un claroscuro que las modula y las funde una en otra. Cada uno de los personajes dice poseer, como el bien más preciado, una valija que contiene una corona, una máquina de afeitar y un reloj despertador. Cada monólogo fluye, tempestuoso, y por momentos (sobre todo en los pasajes donde la voz cambia) se tiene la sensación de estar ante una pieza teatral, tal es la carnadura de cada personaje. Las voces son parte de una sola unidad (el libro) y a la vez cada cuerpo que habla pertenece a un colectivo que le da sentido.
Con cada uno de esos personajes como máscaras, la autora reflexiona sobre el ser con otros. Esos otros no son necesariamente humanos: la unión de una niña con su cama, de un tamborilero con su tambor, de una gata con "otras pieles" de su especie, de dos viejos militantes con la causa por la que se la jugaron años atrás, determinan al hablante.
"Es una gran mentira que las cosas pueden tener vida propia, gran falacia, nada tiene vida sin el contacto de otra cosa, somos eso, somos el contacto, la reacción al contacto", dice en su estilo extático el tamborilero de Venice Beach. "El ritmo, el ritmo, Celia, y decíselo a tu novio, es el movimiento de la sangre irrigándonos todo, irrigando lo único que poseemos, que es este cuerpo, estos músculos, esta piel que parece protegernos pero que nos deja expuestos a la más completa adversidad porque es así como debe ser, debemos vivir expuestos, sin ataduras, abiertos a la absorción, a la ósmosis de la materia y de los tiempos, como vasos comunicantes...". "Hay muchos compañeros vivos. Suficientes como para rever los últimos años y empezar con algo nuevo", dice el militante, realista y entrañable.
Las diez voces de Natatio Aeterna configuran un árbol de la vida, como diez emanaciones del Eros, la pulsión de vida en su sentido más ampliamente amoroso, que puja por volver a unir lo que la maldad ha separado. Véase el clímax del soliloquio del músico de rock: "Y cuando uno a uno, o de a dos, se van incorporando todos los instrumentos con toda su fuerza sin taparme la voz, sin que yo necesite gritar para seguir existiendo, y no es trivial, sin tener que armar demasiado quilombo para ser notado, ese momento, ése en el que todos estamos cumpliendo con nuestro papel en el grupo, en el que la banda está en acción completa, total, todos al mismo tiempo y sin hacer cagadas como desafinar, o tapar a los otros, o querer sobresalir, más bien destacando la belleza del sonido que los demás producen con la belleza del sonido que uno mismo produce, ése es el gran momento".

Acta Concurso Literario el Banquete 2011

2011-07-13T10:48:00.001-07:00

Acta Concurso Literario el Banquete 2011

En la ciudad de Córdoba a los diez días del mes de Julio de 2011 el comité editorial de la revista El banquete compuesto por Silvio Mattoni, Cecilia Pacella y Carlos Surghi se reúnen para leer el dictamen establecido por el jurado del Concurso Literario El banquete

2011, compuesto por Osvaldo Bossi, Santiago Vega y Silvio Mattoni, y realizar la apertura de los sobres donde figuran los datos de los ganadores, de acuerdo a las bases del mencionado concurso oportunamente establecidas.

En primer lugar se lleva a cabo la lectura del dictamen del jurado, que establece como ganador del Premio Concurso Literario El banquete 2011, género poesía al trabajo titulado Fondo Blanco presentado bajo el seudónimo de Damon Albarn.

Asimismo el jurado otorga las siguientes menciones especiales con recomendación para su publicación, cuyos seudónimos se indican entre paréntesis:

Primera mención: El tiempo en Ontario (Neko)

Segunda mención: Una piedra acá (Victoria Magra)

Tercera mención: Yuyal recargado (Juan de Lapala)

Cuarta mención: Las Expectativas (Stuart)

En segundo término se procede a la apertura de los sobres con los datos del ganador y de las menciones especiales, constatando los datos de los participantes, el ganador y las menciones especiales que corresponden a:

Premio Concurso Literario El banquete 2011: Javier Martínez Ramacciotti por su trabajo Fondo Blanco.

Primera Mención Concurso Literario El banquete 2011: María Eloísa Oliva por su trabajo El tiempo en Ontario.

Segunda Mención Concurso Literario El banquete 2011: Laura Marta Pratto por su trabajo Una piedra acá.

Tercera Mención Concurso Literario El banquete 2011: Cipriano Roque Ceferino Labala por su trabajo Yuyal recargado.

Cuarta Mención Concurso Literario El banquete 2011: Alberto José Rodríguez Maiztegui por su trabajo Las expectativas.

Córdoba, 10 de julio de 2011.

Novedad!!!

2011-07-05T18:17:00.000-07:00

Jorge Santiago Perednik

El Shock de los Lender

Transformación alquímica del caso Schoklender, un artefacto poético de tanta lucidez que hoy -a 25 años de haber sido construido- sigue irradiando como un atractor extraño de transversalidad -como aquellos soñados por Guattari-.

Qué extraña es la síncronía a veces...leer este libro en este momento en tensión de la lengua argentina, con televisores y radios interfiriéndose mutuamente creando el tokonoma que libera: políticas de los cuerpos. Un libro asombroso."Es la cuarta instancia psíquica, el misterio" JSP, El shock de los Lender

$45

Pedilo a: alcioneditoraonline@gmail.com

Presentaciones Junio: Natatio Aeterna

2011-06-13T07:51:00.000-07:00

Alción Editora

tiene el agrado de invitar Ud./s a la presentación del libro

Alicia Kozameh

el día 15 de junio a las 19 hs.

Presentan:

Andrea Guiu y Juan Maldonado

Archivo de la Memoria

Pasaje Santa Catalina (entre el Cabildo y la Catedral)

Córdoba

Presentaciones Junio: Para el cielo estrellado

2011-06-13T07:42:00.000-07:00

Alción Editora

tiene el agrado de invitar Ud./s a la

presentación del libro

el día viernes 24 de junio a las 19 hs.

Compilador: Silvio Mattoni

Participan:

Cecilia Pacella y Carlos Surghi

Museo Genaro Pérez

Córdoba

Prensa: Reseñas

2011-06-09T05:53:00.000-07:00

Adn - 03/06/2011

Gesualdo Bufalino - La Amarga miel

Revista Ñ - 04/06/2011

El BanQuete nº 10 y Hablar de Poesía

Presentaciones Mayo

2011-05-09T08:44:00.000-07:00

Alción Editora

tiene el agrado de invitar a Ud./Uds. a la presentación del libro

El 20 de mayo a las 19 hs

Casa de Pepino

-Belgrano y Fructuoso Rivera-

Participan: Fernando Reati/Perla Suez/Mirian Pino/Jorge Bracamonte/Domingo Ighina.

Novela Paulina Movsichoff

2011-05-02T07:56:00.000-07:00

“La desconocida del Plata” de Paulina Movsichoff

Susana Chas, una gran amiga de la vida, me ha permitido el privilegio de presentar el último libro de Paulina, una novela bella y “argentina”, donde se cruzan las dimensiones de análisis más importantes de las últimas décadas: mujeres, dictadura, relaciones familiares, identidad, globalización, escritura y arte.

Con la humildad de quienes abordamos la literatura desde el placer, intentaré presentarles un análisis de los ejes temáticos que recorren la novela y la estructuran en un todo compacto y en algunos momentos, cíclicos.

La escritura de Paulina Movsichoff es llana, pero no por ello simple. A través del relato familiar, va reflexionando acerca de las grandes problemáticas que recorren esta posmodernidad, y que en nuestro país han sido atravesadas por la tragedia de la historia.

Como ya lo comentó Susana la novela narra la búsqueda de identidad de Marina Osuna, una mujer de 45 años, cuya madre fue secuestrada, torturada y desaparecida por la última dictadura miliar.

Esa búsqueda, contada como un viaje que hace la protagonista desde México, el lugar donde su familia decide enviarla para resguardarla del terror, hasta la Argentina del año 2000, escindida y agonizante ante la brutalidad de las políticas neoliberales.

Ese viaje externo de búsqueda de su madre desaparecida es superpuesto al viaje interno de búsqueda de sí misma. Paulina juega con las temporalidades del afuera y el adentro de la protagonista, en una confusión que intenta desarmar o repensar los paradigmas y mandatos impuestos.

Marina, la niña-mujer que busca a su madre, se enfrenta a todos los recuerdos familiares para desandar la desmemoria forzada impuesta por su familia.

Y aquí comienzan a jugarse los ejes más importantes de la novela:

El primero es el testimonial. A través de cartas, que nunca se sabe si llegan o no, la madre desaparecida dará testimonio del contexto ideológico y cultural que la mueve a la militancia política y a la entrega completa de sí misma para la búsqueda de un mundo mejor.

La década del ’70 es contada sin idealismo pero con mucho respeto, generando una empatía con esa protagonista que intenta justificarse ante su hija y su familia por su elección de vida.

Paralelamente, se impone el testimonio del horror, de la planificación sistemática para la eliminación de personas llevada a cabo por el Proceso de Reorganización Nacional que gobernó el país entre 1976 y 1983. Los campos de concentración, la tortura y el exilio de miles de argentinos. Y la tragedia de la guerra de Malvinas, como una herida abierta e inconclusa de ese espanto.

¿Podremos dejar de decir lo que hemos visto y oído? ¿Podremos no dar testimonio?

Hay que destacar, a diferencia de otras novelas sobre la misma temática que han salido a la luz en los últimos tiempos, que la autora aborda el tema de la tortura y la muerte no desde el odio o el regordeo de la miseria sino desde la necesaria memoria que debe imponerse, desde una mirada casi imparcial de los hechos, pero no por ello edulcorada. Como la mención a las Madres de Plaza de Mayo, hay una comprensión histórica de su lucha y de su dolor personal. “Su lucha ha sido sublime” dice la protagonista. No hay panfleto ni mal uso de ese símbolo.

El segundo eje es la Identidad de los desaparecidos. Aquel planteo testimonial permite a la autora adentrarse en la temática nudo de la novela: la búsqueda de identidad de Marina, una mujer criada y construida con retazos de memoria y silencios.

En este punto, Paulina expone una situación que ha sido una constante, y en algunos casos lo sigue siendo (España es un ejemplo con la Guerra Civil española) de la forma de abordar la historia que muchas veces tienen las sociedades.

“Me pregunto qué clase de locura nos invadió a todos. La locura del miedo, si, la del terror. Pero también la de qué dirán, la de ser portadores de un estigma en aquella Argentina de los derechos y humanos”

La familia de Marina (su abuela, sus tías y su padre) decide hacer un pacto de silencio ante la desaparición de su madre. “Era una orden tácita a la que todos obedecíamos: no menciones a mamá” Una consigna implícita que asumirán los protagonistas como modo de supervivencia.

De esta manera, el dolor es puesto entre paréntesis, congelado en el inconsciente de esa niña-mujer que no sabe quién es porque no se anima a preguntarse sobre su madre.

No es casual entonces que sea su terapeuta quien le diga: “Usted tiene a su madre en el sótano” Una palabra que no es arbitraria en esa historia que se intenta contar. Aquí es donde la culpa de la madre por abandonarla por la militancia se trasmuta en culpa de la hija por haberla condenado a esa indiferencia.

La búsqueda de su madre es la búsqueda de sí misma: “Sin madre no es posible amar, sin madre no es posible morir”, una frase de Hernam Hesse que intenta describir el proceso por el que pasaron y pasan miles de hijos y nietos de personas desaparecidas durante la dictadura.

La identidad como derecho ha sido una de las grandes reivindicaciones de las últimas décadas. La identidad como única forma de construirse como persona íntegra, sabiendo quiénes eran nuestros padres, qué pensaban, en qué creían, por qué murieron.

El silencio, el ocultamiento de ese pasado es el robo de la memoria de aquellos seres, de su vida como valor y por supuesto, de su transcendencia.

En el caso de la Marina, ese viaje a Argentina, treinta años después, le permitirá encontrarse con su madre, a través de las palabras, imágenes y recuerdos de sus familiares y amigos, y a partir de allí encontrarse con sí misma, con su propia vida y sus propios deseos.

Otro eje importante que recorre la novela, a mi entender, es cómo la autora va deslizando los cambios ocurridos en el país a partir de aquel horror. Ese contexto de ferviente estado de revolución y cambio de aquellos jóvenes militantes se opone a ese nuevo mundo globalizado de la década de los noventa:

Dice un personaje: “Tendría que estar muy loca si no me diera cuenta de cómo nuestro pobre país fue arruinado, de qué manera destruyeron hasta el último de nuestros sueños. Creo que las condiciones por las que empezamos a luchar siguen intactas. La miseria, el hambre, la indiferencia hacia los que nada tienen. Esta globalización perversa, esas anteojeras que nos han puesto a todos para que no miremos a nuestro alrededor, para convertir en invisibles a los que no conocen el éxito y no están en la órbita de la riqueza”(…) “Es difícil reconocer en esta ciudad a la Buenos Aires que dejé años atrás. No recuerdo haber visto tantos mendigos en ese entonces. También en la calle veo gente tirada en la vereda” Y el paco

Los últimos ejes sobre los que quiero reflexionar son las relaciones familiares, la relación madre-hija y el abordaje de los personajes femeninos

El esqueleto que estructura la novela, es la relación madre-hija. Y sorprende su abordaje. La lógica occidental del permanente conflicto, reproducido por el famoso complejo de Electra, es revisada por la autora. No hay madre castradora ni imagen-espejo del padre; sino por el contrario el concepto de madre (que hacia el final del libro es comparado con la madre tierra) es explicado como memoria genética, corpus y significante de esa hija.

La figura de la madre es reivindicada como protectora, como única capaz de dar vida (no solo biológica sino espiritual y emocional) a esa hija, también mujer que se busca a sí misma. La historia de los vínculos como transformación, como ciclos para el entendimiento: “Comprendí de pronto que sólo cuando una mujer tiene una hija logra atravesar el espejo de su destino y ver el mundo a través de los ojos de su propia madre.”

Respecto de las relaciones familiares es importante destacar primero la excelente y compleja trama de personajes que van surgiendo en el texto y que paulina describe con gran maestría, de manera de que el lector pueda reconocerlos a lo largo de la trama.

“Las mujeres, creo, nos arreglamos para que nuestra memoria no se pierda, para que nuestras historias sobrevivan”

Hijas, abuelas, tías, primas, nietas que van construyendo con Marina aquella madre ausente. Aquí hay dos cuestiones para remarcar: la historia familiar es contada desde el mandato patriarcal, donde las mujeres se solidarizan y entienden a partir de sus propios dolores y frustraciones con los hombres.

Incluso no es casual que Marina decida ir a la búsqueda de su madre (hacerse cargo de sí misma) luego de que es engañada por su esposo. Hay un planteo generacional donde el hombre es la tercera pierna, el gestor de esa mujer.

Sin embargo, la figura de los hombres está desdibujada en toda la novela. Las grandes protagonistas son las mujeres en un mundo de hombres que las someten al engaño, la ausencia o el desamor.

Finalmente y en relación a estos temas, la escritora aborda la condición de género. La historia de las mujeres que atraviesan la novela es la historia de las mujeres durante las últimas décadas: sus luchas por ocupar un lugar en el mundo falocéntrico, como escritoras, como pintoras, pero también como madres e hijas.

“Me vino a la mente el modelo femenino de mi madre, que a su vez lo recibió de la suya: La mujer buena siempre quiere a su marido”

La autora pone en cuestión los mandatos patriarcales de género con la historia de dos primas lesbianas, ridiculiza el dogma de la media naranja o el príncipe azul: “Es muy difícil que encuentre esa media naranja, que nos han hecho pensar como indispensable para ser alguien digno”

Este es un libro de la memoria y del olvido, de la verdad y de la revisión de esa verdad, escrita por una mujer que no se presta a jugar el juego que ha propuesto históricamente la percepción masculina.

Paulina escribe con autenticidad, con valor, se pelea con los prejuicios, y reflexiona sobre la complejidad de esos vínculos que siguen siendo determinantes para construirnos como mujeres: “Como mujeres que somos todavía debemos escarbar, abrir los ojos y los oídos para escucharnos a nosotras mismas”

Silvia Nadalin

Presentaciones Mayo

2011-05-02T07:49:00.000-07:00

Alción Editora

tiene el agrado de invitar a uds. a la presentación de

Jueves 12 de mayo - 19 hs

Casa de Pepino

Belgrano y Fructusoso Rivera

Presentación a cargo de Juan Maldonado

Presentación Abril

2011-04-28T08:49:00.000-07:00

Apertura y clausura de la metafísica en el pensamiento de Macedonio Fernández

Dante Aimino

29 de abril - 19:30 hs

Casa de pepino

(Belgrano y Fructuoso Rivera)

Donde está la salvación crece el peligro

Nunca tuve la ciencia ni la paciencia requeridas por las cuestiones metafísicas(o por esa sola cuestión a la que José Ramón Pérez llamaba ‘’la cuestión de la metafísica’’), y me evadía de ellas, o de Ella, por medio del humor o de la poesía; mi vanidad imaginaba que lo mismo había hecho Macedonio Fernández y le otorgaba la mayor simpatía. Pero no es la primera vez que advierto –o me hacen advertir- que las cosas suelen transitar caminos poco favorecidos por mi imaginación. Y hoy la advertencia proviene de esta ‘Apertura y clausura de la metafísica en el pensamiento de Macedonio Fernández’, tesis doctoral summa cum laude debida a Dante Aimino, que tengo el honor de presentar.

Insisto en que carezco de la sutileza necesaria para salir airoso de los laberintos metafísicos, esas notables arquitecturas de palabras que vienen y van sin rumbo aparente, y que son miradas con admiración al menos tantas veces como son apartadas con desdén, y por esta razón agradezco a este Dante que se haya transfigurado en un Virgilio capaz de guiarme, de guiarnos, por tales resbaladizos círculos. La alusión al Infierno y al Purgatorio corre por mi cuenta, ya que Macedonio entendía la metafísica como favorable a la felicidad (y así lo destaca su docto comentarista), estadio semejante al Paraíso donde nuestros pasos siguen los de la inefable y epónima Beatriz, en tanto que yo, por el contrario, aunque en la misma cuerda y tal vez en oculta armonía con esa proposición, toda mi vida me he sentido próximo al pensamiento de Borges según el cual la felicidad entraña una interrupción en el estudio de la metafísica, suficiente pero no necesaria en cuanto la infelicidad no es incompatible con la falta de preparación metafísica y necesaria pero no suficiente en cuanto abundan fidedignos testimonios de tristeza metafísica.

De dos o tres rasgos carece la metafísica, y estas carencias, propuestas y alabadas por la mayoría de los metafísicos, son las que producen las perplejidades que alimentan mi impaciencia y mi ignorancia. La metafísica, mal que le pese a los aristotélicos carece de sistema, y mal que le pese a los hegelianos carece de historia y, por esto mismo, no deja esquicios para la incertidumbre y la crítica, y entonces el espacio de su presencia, su claridad, tiene el paradójico aspecto de un museo de eternidades, eternidades que sus detractores suelen llamar anacronismos. Sirva esto para tomar conciencia de las dificultades asumidas por Aimino, quien por exigencias de su investigación debía situar históricamente el problema o bien ubicarlo en un esquema conceptual, o bien hacer una y otra cosa, además de apuntar las incertidumbres que motivaban su curiosidad y su intención crítica, porque la prueba de una tesis ha de consistir en un argumento, sea en el sentido de una narración histórica o genealógica o de una relación entre conceptos o de una combinación de esto y aquello, y ha de responder al intríngulis suscitado por alguna anomalía en el orden temporal o lógico de los acontecimientos. Si bien por una parte el tesista tenía allí un par metáforas magníficas para su asunto: un ‘Museo de novela de la Eterna’ y un autor que escribía de tal modo que el lector de seguido leyera de salteado y el lector de salteado leyera de seguido, por otra parte ese mismo decir, ese intrincado estilo afecto a los entre dichos y a los contra dichos, no menos humorístico que irónico ni menos poético que metafísico o crítico, en un maestro de prestidigitación verbal tan hábil en la polémica como diestro en el ocultamiento de fuentes, capaz de darse por nacido en el mismo instante que el mundo, desplegaba toda clase de fuegos artificiales y maniobras de distracción ante la vocación hermenéutica.

El principio y el fin, la apertura y la clausura, entendidos de manera absoluta, sin antecedentes y sin consecuencias constituyen el propósito a mi juicio inalcanzable de la metafísica; y así pareció entenderlo el autor de los textos que dieron origen posteriormente, por obra y gracia de un bibliotecario, al nombre de metafísica; es sabido que Aristóteles la llamó filosofía primera, protofilosofía, y ciencia subjetiva y objetiva de Dios, a la par que reconocía no ser el primero en filosofar y apuntaba que lo primero y lo último son relativos y que lo primero en el orden del ser es lo último en el orden del conocimiento y viceversa, por lo que la ciencia que se busca temprana es la que llega tardía. De allí que Aimino, en paralelo con la crónica de su inquietud por el tema de su tesis haya propuesto la crónica de la cuestión metafísica en el pensamiento de Macedonio Fernández y la crónica de este pensamiento en relación con sus precursores, sus contemporáneos y sus sucesores, para lo cual ha debido también proponer, exponer y entramar una colección de conceptos, un sistema que nos haga seguir, o leer de seguido, la rapsodia metafísica de Macedonio Fernández.

El sistema de Aimino no es, creo, un sistema de metafísica, que sería, de serlo, ‘el Sistema de la Metafísica’, sino un sistema de lectura de una expresión metafísica, una traslación a un ámbito de inteligibilidad de una experiencia cuasi mística, una meditación del misterio en que puede sumirnos el suponer un sentido absoluto de las palabras. Dos revelaciones, o como podría decirse, dos apocalipsis, me son insinuadas o sugeridas por estas noticias que conmueven mi barbarie, mi extranjería en estas regiones, y las expongo con una sensación mucho más aguda del riesgo que me ha acompañado a lo largo de todo mi discurso, pero que percibo ahora como el inminente peligro de caer, o haber caído, en la obviedad o en el sinsentido. Una es la idea –la figura o la imagen- de que apertura y clausura referidas a la metafísica son uno y lo mismo, que la conjunción no es meramente gramatical, sino que es la marca lingüística de una identidad ontológica. Otra, asociada con la primera, es de que la Metafísica, ella misma, se abre y se cierra cada vez por completo, sin fisura alguna, como una esfera inmóvil o como un torbellino incesante (imágenes, nadie lo ignora, insuficientes y contradictorias) y las cronologías al igual que las conceptualizaciones, y sus mutuas discrepancias y negaciones son ejercicios hacia esa meta que es su punto de partida.

En lo personal estos descubrimientos, que no alteran mi admiración por Aimino y favorecen el elogio de su obra, no dejan de provocarme una insondable incomodidad existencial (pero he leído por ahí que es obligación de los filósofos hacer que los hombres, en especial los que pasan por filósofos, se sientan incómodos) y mi Unheimlichkeitconsiste en no haber advertido que cuando imaginaba evadirme de la metafísica a través del humor y de la poesía no hacía eso, o no hacía sólo eso, sino lo contrario, o también lo contrario, y derivaba o caía hacia el corazón de la metafísica. Por lo que pregunto, ¿si esto es lo que ha logrado Aimino en la mente de un extranjero, tal vez un bárbaro hostil a la metafísica, que no logrará en ánimos más calificados y mejor predispuestos? Y concluyo con la afirmación de que sea cual sea la calificación y el ánimo del lector, con tal de que sea un lector calificado y animoso encontrará en las páginas de este libro el testimonio de, y la preparación para una singular aventura intelectual.

Daniel Vera

Córdoba 2011.

Reediciones: Yves Bonnefoy - Sobre el origen y el sentido

2011-04-28T08:27:00.000-07:00

Reediciones 2011!

2011-04-14T07:21:00.000-07:00

Sobre "Entonces" de Leandro Calle

2011-03-28T08:48:00.000-07:00

Reediciones: Yukio Mishima - El Sol y el Acero

2011-03-15T11:27:00.000-07:00

Yukio Mishima (1925 - 1970) fue sembrando sus libros de drásticas señales que hablan de esa muerte voluntaria planeada al abrigo de una teatralidad sofocante. Que derrocha provocación, estruendosa bufonería y anhelos de ásperas reivindicaciones políticas.
"Abandonar la literatura o abandonar la vida real", escribió pocos meses antes de practicarse el seppuku.
He allí los dos términos de un dilema falaz pues ambos se cumplieron al mismo tiempo. Sin embargo, bajo la capa de la premeditación y frialdad, no cuesta demasiado advertir la existencia de un descontento trazado mediante esos progresivos contrapuntos entre la realidad y las palabras que el propio Mishima, devorado por la avidez de un desenlace cada vez más inminente, se ha propuesto impulsar. El sol y el acero aunque no es el único libro que los convoca, sí es el que elabora sus movimientos más raudos y exacerbados. Hasta el extremo de que su autor lo convirtió en una extraña máquina capaz de conducirlo, mediante oleadas de razonamiento tan perentorios como rigurosos, al acto final.

Antonio Oviedo

Sobre "Línea de Atlas" de Mariana Robles

2011-02-24T07:11:00.000-08:00

Luminosa Simetría

Si mal no recuerdo son las obras del 2007 o 2008

Mariana bordó junto a su madre ese verano

la que ahora observo sin saber su nombre

tiene el marco delgado y claro.

Es de un tamaño mediano de aproximados 25 por 60 cm

y su fondo oscuro evoca un paisaje japonés.

Un extraño paisaje oriental por la composición y colorido.

El bordado combina las puntadas largas

con una variedad diminuta

que logra en el contraste

el efecto de la espuma o la puntilla.

En la base se destacan tres conjuntos de variada geometría

turquesas y rojos, amarillos y blancos, fucsias y verdes.

Cubos desplegados

provenientes de una ciencia anterior a las mediciones.

Figuras que se curvan y se aflojan

dibujadas sin reglas

obedientes al temperamento de los hilos.

Ese primer plano horizontal en la noche del fondo

anuncia la vigencia de una realidad cercana pero poco conocida.

Las formas sólo un recuerdo, otra imagen de aquella.

Quebrados

extendidos

unidos por los vértices y la casualidad.

De este universo geométrico nace, se desprende

crece en equilibrio y de las mismas hebras, otro.

Reflejo del primero y orgánico a la vez

en lo que podríamos denominar un segundo plano.

Como sueños, emanaciones de la geometría

desprendimientos de ella.

Nacen de a pares y diferentes sobre la unidad del fondo negro

En lo reconocible de una imaginería

que el zurcido aplica sobre la tela.

Es un riesgo pensar que se trata de una figura femenina

la que ocupa el centro de la escena.

Sin embargo es la tejedora

mujer insecto

la que con sus antenas inclinadas hacia delante

no se diferencia de esa trama donde nada es completo ni definitivo.

Estoy tejiendo esa madeja

lunática planta de colores

Dice Mariana en su poema Invención de un rosal

Y desnuda este proceso en vías de mudanza

lo hace visible a través de las formas en su propio sistema de reciprocidades.

La tejedora sigue atenta y prolija cada fase

los ciclos de la floración

mientras el paso de la aguja

desgarra y une las diminutas redes que el bordado tensa.

En esa antigua manera de poner en relación aquellos elementos de diferente orden puede tener su origen la capacidad de crear y transformar este mundo familiar y cercano en otro alucinante.

En mi infancia, todas las mujeres de la casa manejaban la aguja.

Siempre me han fascinado las agujas, su poder mágico.

Utilizamos la aguja para arreglar algo que se ha estropeado.

Es una invocación al perdón.

Dice Louise Bourgeois y su relato une las experiencias de niñez y juventud al bordar junto a su madre con su última serie de bordados, realizada con más de 90 años.

En tal sentido, el instrumento y la técnica amplifican los resultados y otorgan a ese todo un carácter de profunda humanidad en sí mismo. Reparación y perdón acciones hermanadas que anhelan restaurar lo que se ha perdido.

Una fórmula para captar lo acabado en lo inacabado reivindica de algún modo los procesos en su movilidad.

Mariana cruza la línea de la imagen hacia la palabra en este libro de poemas que ha llamado Línea de atlas, desde el cual continúa y expande un sistema propio de recolección y lectura de los datos que la realidad le aporta.

Bordadora botánica poeta

elabora una teoría de lo múltiple que en el trayecto de lo literal al sueño logra sintetizar una manera de habitar en la frontera de lo cercano.

Pasábamos a otros mundos por las cosas

a mirar con una lupa encendida y creí que vendrías

y recorreríamos el cielo, buscando un lugar.

Estamos entonces

ante un cuaderno de ejercicios de la percepción

ante un incipiente mapa para transitar el sueño de la pérdida

Ella dice:

Estoy bordando una manta

para cubrir el patio

y le salía la noche

con árboles precisos

estirándose al margen

y entonces vernos

cuando acabe la geografía.

Del bordado a la escritura o seguramente

de manera simultánea

se mueve la artista para iluminar las coincidencias.

Cito del poema Transparencias antiguas

De viaje alimentada

por las manos de un ángel

larga y fría una mujer en el sendero frutal

olores de tierra, de humedad

nace un cuerpo transparente

los pájaros cruzan las ventanas

y el mundo entero es una línea imperceptible

que nos atraviesa el corazón.

Línea de un atlas imaginario.

Necesario para desplazarnos en este universo personal

que encuentra inspiración en esa variedad sin límites de lo feérico

puerta de ingreso al tiempo que vuelve por momentos a la infancia

donde el juego, el sueño, lo terrible

integran esa suerte de estado

primero y frágil

muy cercano a la noción de un edén que se agrieta irremediablemente

Cito el poema del poema Final de la siesta

Todas esas flores marchitas

en luna abren el petalaje a la montaña

y esconden los signos del sueño.

Cuando era niña miraba collares de perlas

imitaciones baratas de un ámbar dorado y puntiagudo

allí culmina el puente que une

mis primeras visiones.

Floraciones elegíacas cierra o tal vez es el principio de esta segunda colección de poemas que componen este libro o herbario donde la oscuridad toma ya la forma de en un tapizado transparente.

De atrás hacia delante el conjunto vuelve sobre los pasos de una frase fúnebre.

Las floraciones se unen al lamento y a la pérdida en una suerte de fiesta íntima

de altar de lo amado en la memoria.

Sobre los túneles

las grietas

la sequedad de la tierra en invierno o en verano

alguna gota se desprende y se ilumina

con papeles recortados

tiras de género

o con círculos dibujados en el aire

el patio se reanima ante el nuevo decorado que trae la muerte

Cito

Una y otra tiras de telas, copas de piel, cilindros rotos

alambrados de plegarias en papeles rodeando los patios

escondida una mujer con su dedo dibuja al aire

pequeños círculos para adornar la noche

son apariciones vegetales

habitáculos de aire donde se acumula el tiempo

allí decorando los jardines flotan los muertos.

Las estaciones en este punto se tornan artificios que reproducen las fisuras.

La inquietante floración de las matas al llegar la primavera sólo reiteran el olvido.

Cito

Disfrazado sobre las ramas del ciruelo las flores

tristemente ordenadas al frío y con su viento

el eco fue un rapto de semillas, de arenas

más tarde, caerían todas sus plumas frutales

estación detenida por donde se abren paso los muertos.

Es a este altar al que Mariana regresa para bordar como su madre

o al lado de ella.

Vuela la aguja sobre el fondo oscuro

cruzan hilos fosforescentes, profusos e irregulares

puntadas sobre la tela para tocar las frutas y las flores

su corazón de cereza o de pájaro

Cito

Ana desemboca en el fuego

María alimenta las palomas.

Exactas sobre la tarde guardan mustias del bordado

descubren murallas

invaden un horizonte paralelo.

Los ornamentos de la frase, las finas hebras

los detalles que componen cada cuadro

multiplican una y otra vez los ecos vegetales

de un paraíso lejano.

Cito

Hacia el pantano paseamos de la mano

el mundo se desdobla yo mil veces yo

dos veces desdoblada me imagino desaparecer.

Una línea de atlas es la marca en un limbo

Claudia Santanera

Córdoba noviembre de 2010

Revista Ñ
12-02-2011

Novedades: "Duda Patrón" de Federico Spoliansky

2010-12-20T05:46:00.000-08:00

29 de Noviembre. Biblioteca Nacional.

En homenaje a la escritora Hebe Solves se presentó: DUDA PATRÓN, de Federico Spoliansky.
Leyeron: Paulina Vinderman, Susana Szwarc, Natasha Litvinova y Serguei Nikiforov.

Toma la ballesta sin saber qué es la caza, es bailarín. Escondido en un palco observo cómo organiza un bosque sobre el escenario. Un bosque no es territorio mudo, es un puente colgante sobre el dosel de los árboles, una cerda sobre el labio, un colmillo en el mentón. Las zapatillas de baile se hacen oír sobre el caucho, embiste la espada, touché, sólo es baile si es bongó. Una luciérnaga cosida en las puntas trae luz a una madriguera que jamás se hubiera podido vislumbrar. El bailarín cierra el acto rodeando el lago, ya no estoy reclinado, ahora soy un eucalipto, dejo que me parasite.

Me gusta el trote del caballo, la esclavitud de la arena, los collares de Birmania. Siempre que entro en detalles lo hago mal. Si en lugar de escribir cantara liberaría a las mujeres cuello de jirafa, al caballo del bozal. Dejaría a los párpados caer sobre las fundas, sería un níspero, una palta o la cáscara de un coco, no detendría la soberanía del viento. Quedaría el agua, los restos del día, las torpezas del día son el día, no sería necesario desterrarse.

Da miedo pensar que un bozal o una ristra de collares puedan impedir el trote.

Ser testigo.

Habla de la enfermedad en tercera persona.

Los sobrevivientes quieren volver, escapan del refugio, la paz es tan incómoda que se suicidan para confirmar la explosión, buscan estar a solas con ella, vivirla una vez más en el cuerpo, el mundo que conocen permanece en ese abril. Piden volver, no al lugar, al hacinamiento que los sorprendió dormidos. Aman la tierra natal, tropeles de plomo y cobre suben por los aljibes. Algunos han quemado sábanas, se han arrojado alcohol, encendido el cuerpo y salamandras para volver. Volver y que se reavive la Ucrania del útero radioactivo. Otros imitan la ceguera de los pájaros, el balido de los ciervos, las náuseas prosperan debajo de los pies. El casco urbano que una vez los albergó habita postales de saqueadores y aventureros. No se vacía el refugio por las muertes, el recambio de comarcas devuelve gritos a los territorios del borde, el poder los ha transformado en mendigos, a gusto en la miseria.

Catálogo Alción Editora actualizado

2010-12-09T05:40:00.000-08:00

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Alción Editora

Reseñas Radar libros: Artaud -Valéry - Pavese

Tres libros de y sobre poetas

Revista de Filosofía Nombres

Gran Cierre del Año Editorial 2011!

Ciudad de huecos - Marcela Rosales

Sobre "Mil y una" de Susana Silvestre

Sobre "Fondo Blanco" de Javier Ramacciotti

Trabajar cansa/Vendrá la muerte y tendrá tus ojos - Cesare Pavese

Traducción: Rodolfo Alonso

¿Quién conoce a Antonin Artaud?

Libro de Ensayos sobre Antonin Artaud + Inedito + Carta + Texto

Introducción a la Poética - Paul Valéry

Presentaciones Noviembre

Sobre "Doble de riesgo" de Cristina Lobaiza

Reseña "El Shock de los Lender"

Presentaciones Octubre: Artaud - Valéry - Pavese

Presentación de "Jeroglíficos" (Tomo I) de Juan Pedro Valeriano

Reseña: "El cuchillo" de Guillermo Bravo

Presentaciones Septiembre: "Córdoba Desconocida"

Presentaciones Agosto: "El Shock de los Lender" de Jorge Santiago Perednik

Presentaciones Agosto: "El Shock de los Lender" de Jorge Santiago Perednik

Presentaciones Agosto

Dinero y delito: la tradición materialista en la

Lucía Feuillet

Cabildo Histórico

Córdoba

Colección "Un lento venir viniendo"

Novedad!!!

Reseña "El legado" de Carmen Marengo

Reseña "Poemas de Estambul" de Denise León

Reseñas "Natatio Aeterna" de Alicia Kozameh

Acta Concurso Literario el Banquete 2011

Novedad!!!

Presentaciones Junio: Natatio Aeterna

Presentaciones Junio: Para el cielo estrellado

Prensa: Reseñas

Presentaciones Mayo

Novela Paulina Movsichoff

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Presentación Abril

Reediciones: Yves Bonnefoy - Sobre el origen y el sentido

Reediciones 2011!

Sobre "Entonces" de Leandro Calle

Reediciones: Yukio Mishima - El Sol y el Acero

Sobre "Línea de Atlas" de Mariana Robles

Novedades: "Duda Patrón" de Federico Spoliansky

29 de Noviembre. Biblioteca Nacional.

En homenaje a la escritora Hebe Solves se presentó: DUDA PATRÓN, de Federico Spoliansky.Leyeron: Paulina Vinderman, Susana Szwarc, Natasha Litvinova y Serguei Nikiforov.

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En homenaje a la escritora Hebe Solves se presentó: DUDA PATRÓN, de Federico Spoliansky.
Leyeron: Paulina Vinderman, Susana Szwarc, Natasha Litvinova y Serguei Nikiforov.